Saint Sébastien, par Odilon Redon

Saint Sébastien, Odilon Redon, 1910-1912, National Gallery of Art, Washington D.C.

À retenir
Peint entre 1910 et 1912 par Odilon Redon (1840-1916), Saint Sébastien est conservé à la National Gallery of Art de Washington, grâce au don de la collection Chester Dale en 1963. Figure majeure du symbolisme, le peintre bordelais y représente le martyr attaché à un arbre et traversé de flèches fines, au milieu d’un paysage aux couleurs vives. Le tableau appartient à la dernière période de l’artiste, consacrée à la couleur après les « Noirs », les fusains et les lithographies de ses débuts. D’abord dans la collection parisienne de Jules Chavasse, il est exposé à New York dès 1928, puis au Museum of Modern Art en 1947. Le musée des Beaux-Arts de Bordeaux conserve une autre version du sujet, au pastel.

Saint Sébastien est l’un des saints les plus représentés de l’iconographie occidentale. Officier de la garde prétorienne converti au christianisme, il aurait été condamné sous l’empereur Dioclétien, à la fin du IIIe siècle, à être criblé de flèches. Selon la légende, il survit à ce premier supplice avant d’être finalement battu à mort. Depuis le Moyen Âge, c’est pourtant l’image du jeune homme percé de flèches qui s’est imposée, notamment parce qu’on l’invoquait contre la peste, dont les flèches symbolisaient les coups. Les peintres de la Renaissance, de Mantegna à Sodoma, en ont fait le prétexte d’un corps meurtri, criblé de traits, où la souffrance s’expose avec une précision presque anatomique.

Odilon Redon nous montre le saint attaché à l’arbre, mais atteint de seulement deux flèches, très fines, presque des traits de lumière. Sébastien semble à peine touché par ses blessures : point de chair déchirée ni de visage tordu par la douleur. C’est justement pour cela que j’aime particulièrement cette version. L’arbre auquel il est lié, instrument de son supplice, est représenté avec des feuilles rouges, accompagné d’un décor fleuri. Il devient un symbole de vie et de renaissance. Pour moi, Redon ne peint pas le martyre mais ce qu’il promet : la victoire de l’esprit sur la souffrance. Le format très étroit et vertical de la toile, plus de deux fois plus haute que large, accentue encore cette élévation et rappelle les panneaux de retables. Peinte entre 1910 et 1912, quelques années avant sa mort, cette œuvre appartient à la période où Redon, après ses « Noirs » tourmentés, s’est tourné vers la couleur et la lumière. On y sent un artiste apaisé, qui transforme un sujet de violence en vision presque sereine. Tout cela magnifie le caractère hagiographique de l’œuvre : plus qu’un homme qui souffre, c’est déjà un saint que l’on contemple.

Approchez-vous du bras droit du saint. Une flèche le traverse, plus fine qu’un trait de crayon. Ses plumes dorées frôlent l’écorce. Plus bas, une seconde tige file en diagonale vers la hanche. Vous cherchez la plaie. Il n’y en a pas. Pas une goutte de sang, pas de chair ouverte. Le jeune homme a fermé les yeux. Sa tête penche vers l’épaule, comme celle d’un dormeur. Ses mains sont liées derrière le tronc. Rien ne crie. Tout respire. Vous êtes seul avec lui, et il ne vous voit pas.

Observez ce Saint Sébastien

Regardez maintenant la matière. Par endroits, le grain de la toile affleure sous la couleur. Redon pose l’huile en couches minces, presque frottées. Un trait rouge-brun cerne le corps, les genoux, les chevilles. On croirait un dessin rehaussé plutôt qu’une peinture. Cette ligne, il l’a apprise dans l’ombre. Pendant des années, il n’a travaillé qu’au fusain et à la lithographie. Ce sont ses fameux « Noirs », peuplés de monstres et d’apparitions. Après 1900, il les abandonne. La couleur prend alors toute la place.

Et quelle couleur ! Le ciel est turquoise, voilé de nuages gris. Des feuilles rouges piquent les branches comme des braises. En bas, le sol foisonne de verts, de bleus et d’orangés sur un fond brun profond. À gauche s’ouvre une grande plage blanche, presque crayeuse. La peau du saint hésite entre le rose et le bleu pâle. Un linge transparent, d’un bleu très léger, entoure ses hanches. Cherchez la signature en bas à gauche : « ODILON REDON », en petites capitales, presque perdue dans les fleurs.

Le format compte aussi : 144 centimètres de haut pour 62,5 de large. Votre regard monte malgré lui, des pieds nus vers la cime. Ces paupières baissées, Redon les a peintes souvent. Le motif des yeux clos, nourri de peinture religieuse, revient avec insistance chez lui.

Le titre annonce un supplice. La toile montre un jardin. Les flèches sont pourtant bien là.

Odilon Redon

Odilon Redon naît à Bordeaux en 1840 et meurt à Paris en 1916. Figure majeure du symbolisme, il peint ce Saint Sébastien autour de ses soixante-dix ans.

Suivez maintenant le voyage du tableau. Il appartient d’abord à un collectionneur parisien, Jules Chavasse. La collection est dispersée à l’hôtel Drouot en juin 1922. En 1928, la toile est déjà exposée à New York. En 1947, le Museum of Modern Art l’accroche dans une exposition sur le symbolisme en peinture. Un musée d’art moderne pour un martyr romain : le rapprochement surprend. Le collectionneur Chester Dale l’achète en 1950. Il la donne à la National Gallery of Art en 1963.

Actualité : les 110 ans de la mort de Redon

L’année 2026 marque le 110ᵉ anniversaire de la disparition d’Odilon Redon, célébré à l’international : après le face-à-face « Monet et Redon » au Mitsubishi Ichigokan Museum de Tokyo et l’exposition « Odilon Redon: Otherworldly Visions » au Getty Center de Los Angeles (juillet–octobre 2026), le musée préfectoral de Gifu, qui abrite l’une des plus importantes collections Redon au monde, présente jusqu’au 20 décembre « Redon et Komai Tetsuro ». À noter pour les lecteurs français : le musée des Beaux-Arts de Bordeaux, ville natale de l’artiste, conserve lui aussi un Saint Sébastien de Redon, ici un pastel sur papier, qui permet de prolonger la comparaison.
Source : MusBA.