Amedeo Clemente Modigliani (1884-1920), artiste italien rattaché à l’École de Paris, incarne une figure marquante de l’art du début du 20e siècle. Né à Livourne dans une famille bourgeoise mais désargentée, il développe précocement une vocation artistique soutenue par sa mère Eugénie Garsin, femme cultivée et indépendante d’esprit.
Biographie
De santé fragile dès l’enfance, Modigliani grandit entre une famille paternelle conservatrice et l’influence maternelle plus libre et intellectuelle. Sa formation artistique le conduit de la Toscane à Venise avant son installation définitive à Paris en 1906, alors épicentre des avant-gardes artistiques européennes.
L’histoire a longtemps retenu de lui l’image de l’artiste maudit, consumé par l’alcool, la drogue et les liaisons tumultueuses. Cette vision, accentuée par le suicide de sa dernière compagne Jeanne Hébuterne au lendemain de sa mort, a souvent éclipsé l’analyse objective de son œuvre. Jeanne Modigliani, fille du couple, fut l’une des premières à démontrer que la création de son père n’était pas définie par sa vie tragique et avait même évolué vers une forme de sérénité.
Formation et Influences (1884-1905)
Les années de formation de Modigliani débutent dans sa ville natale aux Beaux-Arts de Livourne sous la direction de Guglielmo Micheli, peintre formé par Giovanni Fattori à l’école des Macchiaioli. Ces derniers, inspirés par Corot ou Courbet, avaient rompu avec l’académisme pour privilégier la peinture sur le motif et la couleur plutôt que le dessin. Durant cette période, le jeune artiste s’imprègne des grands courants artistiques, avec une prédilection pour l’art toscan, la peinture italienne gothique et Renaissance, ainsi que le préraphaélisme.
Un tournant majeur intervient en 1901 lors d’un voyage dans le sud de l’Italie. À Naples, il découvre le musée archéologique, les ruines de Pompéi et les sculptures de Tino di Camaino. C’est probablement là que sa vocation de sculpteur se révèle, bien avant son arrivée à Paris.
Entre 1902 et 1906, Modigliani poursuit sa formation à Florence puis à Venise. À Florence, il fréquente l’École libre de Nu dirigée par Fattori et s’imprègne des œuvres des maîtres dans les musées et églises de la ville. À Venise, bien que peu assidu à l’académie des beaux-arts, il enrichit sa culture artistique en découvrant les œuvres de Bellini, Giorgione, Titien, Carpaccio, Le Tintoret, Véronèse et Tiepolo.
Ses lettres à son ami Oscar Ghiglia révèlent déjà sa conception élitiste de l’art et sa quête d’une ligne expressive capable de traduire l’essence des êtres et des choses, au-delà de leur apparence matérielle. C’est à Venise qu’il rencontre Ardengo Soffici et Manuel Ortiz de Zárate, qui lui font découvrir l’impressionnisme, Cézanne et Toulouse-Lautrec, tout en lui vantant Paris comme un creuset de liberté pour les artistes audacieux.
Modigliani, Un Italien à Paris : Vers la Sculpture (1906-1913)
Arrivé à Paris début 1906, Modigliani s’inscrit à l’académie Colarossi tout en fréquentant assidûment le Louvre et les galeries exposant les impressionnistes et leurs successeurs. Il s’installe d’abord à Montmartre, passant de pensions en garnis, avant d’alterner entre la Rive gauche et la Rive droite.
Rapidement, Modigliani s’insère dans la vie bohème parisienne. Son élégance naturelle, sa culture et son charisme lui permettent de nouer de nombreuses relations, notamment avec Maurice Utrillo, Max Jacob et plus tard avec Chaïm Soutine. Bien que soutenu financièrement par sa famille, il vit dans une pauvreté qui, conjuguée à sa consommation d’alcool et de stupéfiants, altère progressivement sa santé.
Entre 1909 et 1914, Modigliani se consacre principalement à la sculpture, sans abandonner totalement la peinture. Il s’installe à la Cité Falguière, près de Constantin Brâncuși qui l’encourage et le convainc que la taille directe permet de mieux « sentir » la matière. Il se procure du calcaire dans d’anciennes carrières ou sur les chantiers de Montparnasse et travaille avec acharnement à ses têtes sculptées qu’il aligne parfois le soir, ornées de bougies, en une sorte de mise en scène primitive.
Son style sculptural puise à diverses sources : statuaire antique et renaissante, art africain, oriental et contemporain. En 1911, il expose plusieurs têtes de femme dans l’atelier d’Amadeo de Souza-Cardoso, puis au Salon d’automne de 1912 où il présente « Têtes, ensemble décoratif ». Quant aux cariatides, dont il n’a laissé qu’une inachevée, il les concevait comme les « colonnes de tendresse » d’un « Temple de la Volupté ».
Modigliani abandonne progressivement la sculpture à partir de 1914, les médecins lui ayant maintes fois déconseillé cette pratique en raison de ses problèmes pulmonaires. D’autres facteurs ont pu contribuer à ce renoncement : la force physique exigée par la taille directe, le manque d’espace, le coût des matériaux, et la pression de son marchand Paul Guillaume, les acheteurs préférant les tableaux.
Les Passions du Peintre (1914-1920)
À partir de 1914, Modigliani intensifie son activité picturale. Jusqu’à sa mort en 1920, il produit plus de 350 tableaux qui commencent à se vendre, malgré le ralentissement causé par la Première Guerre mondiale. Son œuvre se concentre sur les cariatides, les portraits et les nus.
Sa vie reste marquée par l’errance, l’alcoolisme et la toxicomanie. À Montparnasse, il fréquente La Rotonde et la crèmerie-restaurant Chez Rosalie, connue pour sa cuisine italienne bon marché. Sous l’effet de l’alcool, il peut se montrer exubérant, déclamer des vers ou s’engager dans des altercations. Lors de la mobilisation d’août 1914, ses problèmes pulmonaires l’empêchent d’être incorporé. Contrairement à d’autres artistes, ses œuvres ne comportent aucune allusion à la guerre.
En 1914, Max Jacob présente Modigliani à Paul Guillaume, amateur d’art moderne qui l’expose dans sa galerie et reste son principal acheteur jusqu’en 1916. En décembre de cette année, Léopold Zborowski découvre les toiles de Modigliani et devient non seulement son fervent admirateur mais aussi son ami fidèle et son marchand jusqu’à la fin. Avec sa femme Anna (Hanka), ils le soutiennent dans la mesure de leurs moyens, lui offrant une allocation journalière, du matériel, des modèles et la liberté de peindre chez eux.
Modigliani conçoit l’acte de peindre comme un échange affectif avec le modèle : ses portraits retracent l’histoire de ses amitiés et de ses amours. Les vingt-cinq nus voluptueux qu’il peint jusqu’en 1919 nourrissent quant à eux les fantasmes du public sur un Modigliani libertin.
Le 3 décembre 1917 a lieu à la galerie Berthe Weill sa première et unique exposition personnelle de son vivant. Deux nus féminins en vitrine provoquent immédiatement un scandale : le commissaire de police ordonne de décrocher cinq œuvres au motif que leurs poils pubiens constituent un outrage aux bonnes mœurs. Ce fiasco commercial apporte néanmoins une publicité au peintre, attirant l’attention de collectionneurs comme Jonas Netter, Francis Carco et Roger Dutilleul.
Jeanne Hébuterne et les Dernières Années de Modigliani
En février 1917, Modigliani s’éprend de Jeanne Hébuterne, élève de l’académie Colarossi âgée de 19 ans. Malgré l’opposition de ses parents, petits-bourgeois catholiques, elle s’installe avec lui en juillet 1917. Petite, les cheveux châtain-roux et le teint très pâle (ce qui lui vaut le surnom de « Noix de coco »), Jeanne symbolise pour Modigliani la grâce lumineuse et la beauté pure. Tous leurs proches se souviennent de sa réserve effarouchée et de son extrême douceur.
Modigliani chérit Jeanne comme aucune autre femme auparavant. Il ne l’a jamais représentée nue mais a laissé d’elle vingt-cinq portraits qui, tels des lettres d’amour, comptent parmi les plus beaux de son œuvre.
En avril 1918, face aux rationnements et aux bombardements à Paris, le couple part pour la Côte d’Azur avec les Zborowski, Soutine, Foujita et sa compagne. Ils s’installent d’abord à Cagnes-sur-Mer, où Modigliani passe une période heureuse, peignant des enfants du village et des adolescentes. Puis ils déménagent à Nice par manque d’argent. Le 29 novembre 1918, leur fille Giovanna naît à l’hôpital Saint-Roch.
Durant ces treize mois passés au soleil du sud, Modigliani travaille avec bonheur. Il s’essaie à la peinture de paysage et réalise de nombreux portraits d’enfants, d’adolescents et de gens de toutes conditions. La présence apaisante de Jeanne favorise globalement sa production.
De retour à Paris en mai 1919, Modigliani connaît un début de notoriété mais sa santé décline irréversiblement. Jeanne, qui le rejoint en juin, est de nouveau enceinte et il s’engage par écrit à l’épouser. Zborowski négocie sa participation à l’exposition « Modern French Art – 1914-1919 » à Londres, où l’Italien est représenté par cinquante-neuf œuvres qui remportent un vif succès critique et public.
Modigliani pressent sa fin : pâle, émacié, souffrant de néphrite, sa toux s’accompagne de crachements de sang. Il refuse obstinément de se soigner malgré les tentatives de ses amis. Le 22 janvier 1920, Moïse Kisling et Manuel Ortiz de Zárate le trouvent évanoui dans son studio. Hospitalisé d’urgence, il meurt deux jours plus tard d’une méningite tuberculeuse. Au matin du 25 janvier, Jeanne, alors enceinte de huit mois, se suicide en se jetant par la fenêtre du cinquième étage de l’appartement de ses parents.
Les funérailles du peintre rassemblent un millier de personnes le 27 janvier 1920. Le jour même, la galerie Devambez expose une vingtaine de ses tableaux : « Le succès et la célébrité, qui s’étaient fait désirer de son vivant, ne se sont par la suite jamais démentis. »
L’Œuvre et son Langage Plastique
L’œuvre de Modigliani se caractérise par une synthèse unique entre tradition et modernité. Son langage plastique s’est développé en marge des avant-gardes, dans une démarche profondément personnelle.
Sa sculpture, inspirée tant par l’art classique que primitif, se distingue par des formes allongées et stylisées. Les quelque vingt-cinq têtes en pierre qu’il a réalisées témoignent d’une recherche d’épuration formelle et d’expression de l’essence au-delà des apparences.
Sa peinture, centrée presque exclusivement sur la figure humaine, évolue vers une simplification croissante et une harmonie formelle. Les portraits, caractérisés par des visages ovales, des cous allongés et des yeux souvent vides ou asymétriques, révèlent une sensibilité aiguë à la psychologie des modèles. Les nus, sensuels et directs, s’inscrivent dans une tradition classique tout en affirmant une modernité sans compromis.
La palette de Modigliani, d’abord sombre et influencée par Cézanne, s’éclaircit progressivement pour atteindre des harmonies subtiles de bleus, d’ocres et de rouges. Son trait, ample et sûr, délimite des formes aux volumes simplifiés qui confèrent une présence monumentale à ses figures.
Héritage et Postérité
Modigliani occupe une place singulière dans l’histoire de l’art du 20e siècle. N’appartenant à aucun mouvement particulier, il a développé un style immédiatement reconnaissable qui concilie l’héritage de la Renaissance italienne et les innovations formelles de son époque.
Si la critique et le monde académique ont tardé à reconnaître en lui un artiste majeur, considérant qu’il n’avait pas joué de rôle décisif dans l’évolution des avant-gardes, son œuvre a toujours trouvé un écho profond auprès du public. Sa vision lyrique et humaniste de la figure, son esthétique d’une élégance intemporelle en ont fait l’un des peintres les plus appréciés du 20e siècle.
Au-delà du mythe de l’artiste maudit qui a longtemps occulté une lecture objective de son travail, l’œuvre de Modigliani apparaît aujourd’hui comme une quête constante d’harmonie et de vérité intérieure, un témoignage poignant sur la condition humaine qui transcende les circonstances tragiques de sa vie.
Son influence se perçoit chez de nombreux artistes figuratifs du 20e siècle, et l’engouement du marché de l’art pour ses œuvres ne s’est jamais démenti, faisant de lui l’un des artistes les plus cotés au monde.
La beauté singulière et immédiatement identifiable de ses figures, l’émotion contenue qu’elles dégagent continuent de toucher profondément les spectateurs, témoignant de la puissance intemporelle d’une œuvre qui, au-delà des modes et des théories, parle directement à notre humanité.
