Claude Monet nous plonge dans l’univers impressionniste par excellence. « Le bassin aux nymphéas » (1900) révèle toute la maîtrise du peintre dans sa capacité à saisir l’éphémère jeu de lumière sur l’eau.
La composition est magnifiée par ce célèbre pont japonais vert qui s’arque délicatement au-dessus d’un miroir d’eau constellé de nymphéas roses et de reflets verdoyants. Les touches vibrantes et fragmentées créent une symphonie chromatique où se mêlent les verts, les mauves et les roses dans une danse lumineuse. L’atmosphère vaporeuse et méditative témoigne d’une vision presque onirique du jardin, où les frontières entre réalité et reflet se dissolvent. Monet nous offre ici non pas une simple représentation de la nature, mais une véritable expérience sensorielle immersive.
Pour aller plus loin
- Le bassin aux nymphéas, par Claude Monet, en 1900
- 89.8 x 101 cm (35 3/8 x 39 3/4 in.)
- The Art Institute of Chicago
- https://www.artic.edu/artworks/87088/water-lily-pond
Claude Monet (1840-1926), figure de proue du mouvement impressionniste, a révolutionné l’art de son époque par sa quête obsessionnelle de la lumière. En 1893, il crée à Giverny ce jardin d’eau qui deviendra son laboratoire artistique et sa passion dévorante pendant les trois dernières décennies de sa vie.
Ce tableau s’inscrit dans une série de dix-huit œuvres similaires réalisées entre 1899 et 1900, préfigurant les monumentales « Grandes Décorations » de ses dernières années, les huit compositions des Nymphéas. Son jardin, méticuleux mélange d’exotisme japonais et de flore locale, transcende le simple motif pour devenir le reflet de son âme d’artiste, le lieu où la frontière entre l’art et la vie s’estompe définitivement.
Giverny : un jardin comme oeuvre d’art totale
Le jardin d’eau de Giverny, que Monet aménage à partir de 1893 sur une propriété qu’il loue depuis 1883 et achète en 1890, est une création artistique à part entière : Monet dessine lui-même les contours du bassin, choisit les nymphéas, fait planter les saules pleureurs et les glycines, commande le pont japonais de bois vert qui enjambe l’eau. Ce jardin est autant une référence à l’esthétique japonaise, dont Monet est un admirateur passionné, comme en témoigne sa collection d’estampes, qu’une machine à produire des reflets, une surface mobile qui change d’apparence à chaque heure de la journée et à chaque saison. La toile de Chicago appartient à la collection Mr. and Mrs. Lewis Larned Coburn, constituée à partir d’un achat effectué via Durand-Ruel en 1915.
Le pont japonais et la dissolution du motif
Dans Le Bassin aux nymphéas, l’arche du pont japonais vert occupe la partie supérieure de la composition, encadrant un espace dont le sujet est avant tout la surface de l’eau. Les nymphéas roses et les reflets verdâtres des arbres environnants sont rendus par une touche vibrante qui amalgame les plans, le ciel reflété dans l’eau, les fleurs posées à sa surface, les feuilles qui flottent, en une seule matière picturale unifiée. Les contours se dissolvent ; la profondeur de l’eau est à la fois présente et niée par le reflet qui ramène le ciel à la surface. Cette série de 1899-1900 est le point de départ d’une exploration qui occupera Monet jusqu’à la fin de sa vie, aboutissant aux grandes décorations des Nymphéas données à l’État français en 1922 et installées à l’Orangerie de Paris.
La série comme méthode
Monet a commencé à organiser son travail en séries dans les années 1890 : meules (1890-1891), peupliers (1891), cathédrale de Rouen (1892-1893). Avec les bassins aux nymphéas, la série change de nature : il ne s’agit plus d’observer un motif sous des lumières changeantes, mais de construire un espace pictural auto-suffisant, sans horizon ni repère spatial conventionnel. La toile de Chicago est parmi les premières de ce programme : le pont y est encore visible, ancrant la composition dans une réalité reconnaissable. Dans les œuvres ultérieures, le pont disparaît, l’horizon s’efface, et la toile devient une surface purement aquatique et chromatique qui préfigure l’abstraction.
Une provenance transatlantique
La toile passe de l’atelier de Monet (qui la conserve jusqu’en décembre 1900) à Léonce Rosenberg, puis au prince de Wagram en 1904, avant de revenir chez Durand-Ruel à Paris en 1914. Elle traverse l’Atlantique en décembre 1914, acquise par Arthur Meeker de Chicago en avril 1915 pour 7 400 dollars, et finit dans la collection de Annie Swan Coburn avant d’entrer dans les collections permanentes de l’Art Institute of Chicago.
