Dans cette toile vibrante d’émotion, Caravage nous plonge dans l’intimité d’un concert impromptu où quatre jeunes gens s’adonnent à l’art musical avec une intensité palpable.
Le second personnage en partant de la droite serait un auto-portrait. La composition audacieuse, centrée sur ces figures à mi-corps, crée une proximité troublante avec le spectateur.
Le jeu subtil de clair-obscur, signature du maître, sculpte les visages juvéniles et les drapés somptueux, notamment cette éclatante cape écarlate qui illumine la scène. Le luth, tenu par la figure centrale au regard énigmatique, devient le pivot de cette chorégraphie silencieuse, tandis que les partitions et le violon au premier plan témoignent d’une précision presque documentaire. On y décèle cette tension caractéristique du Caravage entre l’observation minutieuse du quotidien et l’élévation allégorique. Les grappes de raisin ajoutent une dimension bachique à cette célébration des sens où la musique devient métaphore de l’harmonie et du plaisir éphémère.
Pour aller plus loin
- Les Musiciens, par Le Caravage, 1597
- 92.1 x 118.4 cm (36 1/4 x 46 5/8 in.)
- The Metropolitan Museum of Art, Fifth Avenue, New York, non exposé
- https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435844
Michelangelo Merisi, dit Le Caravage (1571-1610), révolutionna la peinture italienne à l’aube du 17e siècle par son naturalisme et sa maîtrise de la lumière. « Les Musiciens », peint en 1597, marque un tournant dans sa carrière, coïncidant avec l’entrée au service du cardinal del Monte, son premier grand protecteur. Cette période romaine voit Caravage développer ce style novateur qui allait bouleverser l’art occidental, avec ses figures saisies dans leur vérité crue, arrachées à l’obscurité par des éclairages théâtraux. Derrière l’apparent classicisme se cache la personnalité tumultueuse de l’artiste, dont la vie fut marquée par les scandales et la violence.
